12:01amDomingo
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
1:00amDomingo
2:00amDomingo
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more3:00amDomingo
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more4:00amDomingo
[...]
Learn more5:00amDomingo
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more6:00amDomingo
7:00amDomingo
No cabe duda de que las épocas pasadas nos dejaron un sinfín de canciones geniales que hoy, muchos añoramos más que a nada. Y es que la música no solo puede hacernos disfrutar en el momento, sino que también nos puede traer muchas experiencias vividas y adquirir un significado bastante especial para cada uno de nosotros. Esta vez en miradiostereo.com, quisimos armar una pequeña recopilación llamada “Música del recuerdo”, en la que colocamos algunos hits que tal vez puedas reconocer y que a pesar de que ya no están de moda, continuan siendo una compañía invaluable en nuestro tiempo libre. Esperamos que los disfrutes. La historia de la música es un terreno que todavía aguarda por su consolidación como un campo consistente de investigación en Colombia. Sin embargo, se pueden constatar algunos avances importantes, no solo en el conocimiento histórico mismo, sino en cuanto a la modernización de las prácticas investigativas se refiere. A pesar de que muchos de los trabajos en este terreno exigen una revisión crítica de sus hallazgos, y muy a pesar de que la cantidad de interrogantes empíricos sigue siendo enorme y del manifiesto atraso con relación al progreso de la disciplina en otros países latinoamericanos, poco a poco los estudios histórico-musicales sobre Colombia han empezado a evidenciar innovaciones significativas a nivel metodológico y en sus esquemas de análisis e interpretación, en virtud de los aportes provenientes de la musicología y de otras disciplinas con mayor tradición investigativa en el país, como la historia, la antropología y la sociología.
Learn more8:00amDomingo
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
9:00amDomingo
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more10:00amDomingo
11:00amDomingo
[...]
Learn more12:01pmDomingo
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more1:00pmDomingo
[...]
Learn more2:00pmDomingo
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more3:00pmDomingo
4:00pmDomingo
No cabe duda de que las épocas pasadas nos dejaron un sinfín de canciones geniales que hoy, muchos añoramos más que a nada. Y es que la música no solo puede hacernos disfrutar en el momento, sino que también nos puede traer muchas experiencias vividas y adquirir un significado bastante especial para cada uno de nosotros. Esta vez en miradiostereo.com, quisimos armar una pequeña recopilación llamada “Música del recuerdo”, en la que colocamos algunos hits que tal vez puedas reconocer y que a pesar de que ya no están de moda, continuan siendo una compañía invaluable en nuestro tiempo libre. Esperamos que los disfrutes. La historia de la música es un terreno que todavía aguarda por su consolidación como un campo consistente de investigación en Colombia. Sin embargo, se pueden constatar algunos avances importantes, no solo en el conocimiento histórico mismo, sino en cuanto a la modernización de las prácticas investigativas se refiere. A pesar de que muchos de los trabajos en este terreno exigen una revisión crítica de sus hallazgos, y muy a pesar de que la cantidad de interrogantes empíricos sigue siendo enorme y del manifiesto atraso con relación al progreso de la disciplina en otros países latinoamericanos, poco a poco los estudios histórico-musicales sobre Colombia han empezado a evidenciar innovaciones significativas a nivel metodológico y en sus esquemas de análisis e interpretación, en virtud de los aportes provenientes de la musicología y de otras disciplinas con mayor tradición investigativa en el país, como la historia, la antropología y la sociología.
Learn more5:00pmDomingo
[...]
Learn more6:00pmDomingo
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
7:00pmDomingo
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more8:00pmDomingo
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more9:00pmDomingo
El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como “un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación” y “una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York”. El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que “la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila”. La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín)
Learn more10:00pmDomingo
[...]
Learn more11:00pmDomingo
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more12:00amLunes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
1:00amLunes
2:00amLunes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more3:00amLunes
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more4:00amLunes
[...]
Learn more5:00amLunes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more6:00amLunes
7:00amLunes
[...]
Learn more8:00amLunes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
9:00amLunes
[...]
Learn more10:00amLunes
11:00amLunes
[...]
Learn more12:00pmLunes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more1:00pmLunes
Con el objetivo de analizar los orígenes y el impacto de la música norteña en México y el mundo, se lleva a cabo un coloquio internacional sobre este género en Tacámbaro, Michoacán. Se trata del primer Coloquio Internacional Sobre la Música Norteña, que reúne a alrededor de una veintena de investigadores y músicos, quienes reflexionan sobre este género musical anclado a la migración y al imaginario de la expectativa de “una mejor vida en el norte”, informó el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). Las actividades del encuentro fueron inauguradas con la conferencia “Fonoteca del INAH: 50 años. Contribución y perspectivas en torno a las músicas tradicionales y populares de México”, en la que Benjamín Muratalla recordó que la edición de un primer disco sobre música tradicional de la serie “Testimonio Musical de México” marcó el inicio de la labor formal de ese recinto del INAH. El subdirector de la Fonoteca del INAH expuso, además, que tras cinco décadas, esta instancia -responsable de la investigación, el registro, la conversación y la difusión de este patrimonio cultura- replantea sus expectativas para estar al día y hacer llegar el acervo a las nuevas generaciones. En ese sentido, dijo: Se ha decidido tomar medidas para llegar a las generaciones jóvenes, mediante material que es dispuesto en la red, a fin de que pueda ser escuchado fácilmente y difundido en las escuelas y medios de comunicación. Acetatos, casetes, cintas de carrete abierto, discos compactos, DAT, carrete de alambre y un cilindro de cera, son los formatos en los que el Instituto mantiene su colección, compuesta por 18 mil soportes sonoros. El objetivo de la charla fue reflexionar sobre la importancia de esta institución dentro de la conservación, el estudio y el rescate de la música popular de México, en específico, la norteña. Y es que en sus 50 años de existencia, la Fonoteca ha editado cerca de 60 producciones discográficas de manifestaciones musicales hechas en diversas partes y por varias agrupaciones del país. Muratalla destacó que este Instituto mantiene dos líneas de trabajo que tienen que ver con el contenido antropológico, que es la música tradicional del país, y los discursos y charlas de personajes históricos como Porfirio Díaz, así como con obras que acompañaron momentos claves de México: la Revolución, el movimiento Zapatista y la Independencia, entre otros. Aunado a lo anterior, habló sobre el género en cuestión y explicó que la forma de ejecutarlo actualmente, con contrabajo, acordeón y bajo sexto, surgió a partir de un largo proceso de migración que data de la época Colonial. Este movimiento, refirió, colocó al norte del país como un lugar geográfico “lleno de ilusiones y anhelos”, a partir de la idea de ser un lugar colmado de riqueza y libre para habitar. Agregó que los migrantes que regresan a casa insatisfechos por no haber conseguido el bienestar que buscaban, vuelven con un afán de nostalgia y con parte de la cultura de ese lugar, por lo que impregnan de emociones a la música norteña. Por otro lado, destacó la importancia de esta corriente en Estados Unidos, ya que es el segundo país donde hay más mexicanos, quienes llevaron las tradiciones de su lugar de origen para transformarlas, cultivarlas y mantenerlas como un elemento que los une a sus raíces. Organizadas por la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, el Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social Peninsular y el INAH, a través de su Fonoteca, las actividades del Coloquio concluyen el próximo sábado con el homenaje póstumo a don Paulino Vargas Jiménez (acordeón y bajo sexto).
Learn more2:00pmLunes
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more3:00pmLunes
4:00pmLunes
No cabe duda de que las épocas pasadas nos dejaron un sinfín de canciones geniales que hoy, muchos añoramos más que a nada. Y es que la música no solo puede hacernos disfrutar en el momento, sino que también nos puede traer muchas experiencias vividas y adquirir un significado bastante especial para cada uno de nosotros. Esta vez en miradiostereo.com, quisimos armar una pequeña recopilación llamada “Música del recuerdo”, en la que colocamos algunos hits que tal vez puedas reconocer y que a pesar de que ya no están de moda, continuan siendo una compañía invaluable en nuestro tiempo libre. Esperamos que los disfrutes. La historia de la música es un terreno que todavía aguarda por su consolidación como un campo consistente de investigación en Colombia. Sin embargo, se pueden constatar algunos avances importantes, no solo en el conocimiento histórico mismo, sino en cuanto a la modernización de las prácticas investigativas se refiere. A pesar de que muchos de los trabajos en este terreno exigen una revisión crítica de sus hallazgos, y muy a pesar de que la cantidad de interrogantes empíricos sigue siendo enorme y del manifiesto atraso con relación al progreso de la disciplina en otros países latinoamericanos, poco a poco los estudios histórico-musicales sobre Colombia han empezado a evidenciar innovaciones significativas a nivel metodológico y en sus esquemas de análisis e interpretación, en virtud de los aportes provenientes de la musicología y de otras disciplinas con mayor tradición investigativa en el país, como la historia, la antropología y la sociología.
Learn more5:00pmLunes
[...]
Learn more6:00pmLunes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
7:00pmLunes
[...]
Learn more8:00pmLunes
[...]
Learn more9:00pmLunes
El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como “un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación” y “una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York”. El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que “la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila”. La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín)
Learn more10:00pmLunes
[...]
Learn more11:00pmLunes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more12:01amMartes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
1:00amMartes
2:00amMartes
[...]
Learn more3:00amMartes
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more4:00amMartes
[...]
Learn more5:00amMartes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more6:00amMartes
7:00amMartes
[...]
Learn more8:00amMartes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
9:00amMartes
[...]
Learn more10:00amMartes
11:00amMartes
[...]
Learn more12:01pmMartes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more1:00pmMartes
[...]
Learn more2:00pmMartes
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more3:00pmMartes
4:00pmMartes
[...]
Learn more5:00pmMartes
[...]
Learn more6:00pmMartes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
7:00pmMartes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more8:00pmMartes
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more9:00pmMartes
El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como “un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación” y “una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York”. El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que “la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila”. La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín)
Learn more10:00pmMartes
Con el objetivo de analizar los orígenes y el impacto de la música norteña en México y el mundo, se lleva a cabo un coloquio internacional sobre este género en Tacámbaro, Michoacán. Se trata del primer Coloquio Internacional Sobre la Música Norteña, que reúne a alrededor de una veintena de investigadores y músicos, quienes reflexionan sobre este género musical anclado a la migración y al imaginario de la expectativa de “una mejor vida en el norte”, informó el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). Las actividades del encuentro fueron inauguradas con la conferencia “Fonoteca del INAH: 50 años. Contribución y perspectivas en torno a las músicas tradicionales y populares de México”, en la que Benjamín Muratalla recordó que la edición de un primer disco sobre música tradicional de la serie “Testimonio Musical de México” marcó el inicio de la labor formal de ese recinto del INAH. El subdirector de la Fonoteca del INAH expuso, además, que tras cinco décadas, esta instancia -responsable de la investigación, el registro, la conversación y la difusión de este patrimonio cultura- replantea sus expectativas para estar al día y hacer llegar el acervo a las nuevas generaciones. En ese sentido, dijo: Se ha decidido tomar medidas para llegar a las generaciones jóvenes, mediante material que es dispuesto en la red, a fin de que pueda ser escuchado fácilmente y difundido en las escuelas y medios de comunicación. Acetatos, casetes, cintas de carrete abierto, discos compactos, DAT, carrete de alambre y un cilindro de cera, son los formatos en los que el Instituto mantiene su colección, compuesta por 18 mil soportes sonoros. El objetivo de la charla fue reflexionar sobre la importancia de esta institución dentro de la conservación, el estudio y el rescate de la música popular de México, en específico, la norteña. Y es que en sus 50 años de existencia, la Fonoteca ha editado cerca de 60 producciones discográficas de manifestaciones musicales hechas en diversas partes y por varias agrupaciones del país. Muratalla destacó que este Instituto mantiene dos líneas de trabajo que tienen que ver con el contenido antropológico, que es la música tradicional del país, y los discursos y charlas de personajes históricos como Porfirio Díaz, así como con obras que acompañaron momentos claves de México: la Revolución, el movimiento Zapatista y la Independencia, entre otros. Aunado a lo anterior, habló sobre el género en cuestión y explicó que la forma de ejecutarlo actualmente, con contrabajo, acordeón y bajo sexto, surgió a partir de un largo proceso de migración que data de la época Colonial. Este movimiento, refirió, colocó al norte del país como un lugar geográfico “lleno de ilusiones y anhelos”, a partir de la idea de ser un lugar colmado de riqueza y libre para habitar. Agregó que los migrantes que regresan a casa insatisfechos por no haber conseguido el bienestar que buscaban, vuelven con un afán de nostalgia y con parte de la cultura de ese lugar, por lo que impregnan de emociones a la música norteña. Por otro lado, destacó la importancia de esta corriente en Estados Unidos, ya que es el segundo país donde hay más mexicanos, quienes llevaron las tradiciones de su lugar de origen para transformarlas, cultivarlas y mantenerlas como un elemento que los une a sus raíces. Organizadas por la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, el Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social Peninsular y el INAH, a través de su Fonoteca, las actividades del Coloquio concluyen el próximo sábado con el homenaje póstumo a don Paulino Vargas Jiménez (acordeón y bajo sexto).
Learn more11:00pmMartes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more12:00amMiercoles
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
1:00amMiercoles
2:00amMiercoles
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more3:00amMiercoles
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more4:00amMiercoles
[...]
Learn more5:00amMiercoles
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more6:00amMiercoles
7:00amMiercoles
[...]
Learn more8:00amMiercoles
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
9:00amMiercoles
[...]
Learn more10:00amMiercoles
11:00amMiercoles
[...]
Learn more12:00pmMiercoles
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more1:00pmMiercoles
[...]
Learn more2:00pmMiercoles
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more3:00pmMiercoles
4:00pmMiercoles
[...]
Learn more5:00pmMiercoles
[...]
Learn more6:00pmMiercoles
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
7:00pmMiercoles
[...]
Learn more8:00pmMiercoles
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more9:00pmMiercoles
El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como “un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación” y “una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York”. El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que “la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila”. La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín)
Learn more10:00pmMiercoles
[...]
Learn more11:00pmMiercoles
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more12:01amJueves
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
1:00amJueves
2:00amJueves
[...]
Learn more3:00amJueves
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more4:00amJueves
[...]
Learn more5:00amJueves
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more6:00amJueves
7:00amJueves
[...]
Learn more8:00amJueves
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
9:00amJueves
[...]
Learn more10:00amJueves
11:00amJueves
[...]
Learn more12:01pmJueves
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more1:00pmJueves
[...]
Learn more2:00pmJueves
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more3:00pmJueves
4:00pmJueves
[...]
Learn more5:00pmJueves
[...]
Learn more6:00pmJueves
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
7:00pmJueves
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more8:00pmJueves
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more9:00pmJueves
El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como “un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación” y “una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York”. El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que “la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila”. La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín)
Learn more10:00pmJueves
[...]
Learn more11:00pmJueves
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more12:01amViernes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
1:00amViernes
2:00amViernes
[...]
Learn more3:00amViernes
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more4:00amViernes
[...]
Learn more5:00amViernes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more6:00amViernes
7:00amViernes
[...]
Learn more8:00amViernes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
9:00amViernes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more10:00amViernes
11:00amViernes
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more12:01pmViernes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more1:00pmViernes
[...]
Learn more2:00pmViernes
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more3:00pmViernes
4:00pmViernes
[...]
Learn more5:00pmViernes
[...]
Learn more6:00pmViernes
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
7:00pmViernes
[...]
Learn more8:00pmViernes
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more9:00pmViernes
El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como “un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación” y “una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York”. El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que “la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila”. La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín)
Learn more10:00pmViernes
[...]
Learn more11:00pmViernes
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more12:01amSábado
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
1:00amSábado
2:00amSábado
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more3:00amSábado
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more4:00amSábado
[...]
Learn more5:00amSábado
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more6:00amSábado
7:00amSábado
[...]
Learn more8:00amSábado
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
9:00amSábado
[...]
Learn more10:00amSábado
11:00amSábado
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more12:01pmSábado
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more1:00pmSábado
[...]
Learn more2:00pmSábado
El decir que el rock latino es sencillamente un asunto de idioma es una manera simplista de definir un movimiento que ha tenido una larga trayectoria y que ha enriquecido su escencia con una gran cantidad de estilos y variaciones. A mediados de los cincuentas el legendario cantante y guitarrista Ritchie Valens se convierte en un pionero con su mezcla de ritmos latinos y rock & roll, logrando pasar a la historia con "La Bamba" (exitosamente interpretada por Los Lobos en 1987) y dejando de manifiesto que el rock no es excluyente en materia de lenguaje. En México y España, motivados por la popularidad del rock & roll y el posterior auge de la Beatlemania, se forman una serie de bandas que a su vez crean una solida base de seguidores locales. A fines de los sesentas en la ciudad de San Francisco, California, emerge el movimiento Chicano, liderado por Santana y que se caracteriza por una cautivante muestra de virtuosismo instrumental. El debut de Santana se mantiene en las listas de discos más vendidos en Estados Unidos por 24 meses, en tanto que sus canciones "Evil Woman" y "Jingo" se convierten en los primeros "hits" del grupo, sin dejar de mencionar la extraordinaria puesta en vivo de "Soul Sacrifice" en el primer festival Woodstock. En 1969 se forma War en Long Beach, California. El conjunto combina elementos de rhythm & blues y ritmos latinos en canciones que se basan en eventos sociales y politicos. Por su parte, el cantante y tecladista Bobby Espinosa lidera una banda originalmente conocida como V.I.P. y que luego de cambiar su nombre a El Chicano, edita en 1970 un disco que incluye "Viva Tirado", tema instrumental que se convierte en un suceso de costa a costa. En 1971 Jorge Santana (hermano de Carlos Santana) forma Malo, debutando con el pegadizo "Suavecito". Durante los setentas America del Sur produce una nueva corriente de cantantes y compositores influenciados por el Flower-Power y el legado dejado por The Beatles, que en su mayoria interpretan canciones que giran en torno a valores humanos como el amor, la amistad y la solidaridad. Entre ellos cabe mencionar al grupo folk-rock chileno Los Jaivas que fusiona sonidos primitivos andinos con instrumentos modernos y al conjunto de pop/rock acústico argentino Sui Generis, liderado por Charly Garcia y Nito Mestre.
Learn more3:00pmSábado
4:00pmSábado
[...]
Learn more5:00pmSábado
[...]
Learn more6:00pmSábado
Soy una mujer que creció cerca de la radio escuchando baladas, entre otra música, que siempre se escuchaba en la casa. Es por esto, que hoy quiero hacer un poco de memoria respecto a la balada. Balada viene de la palabra francesa “ballade”, el diccionario define esta palabra como una composición poética de género sentimental, dividida en estrofas iguales. Musicalmente es una composición íntima y expresiva de forma libre. Aunque mirando las enciclopedias, estas extienden mucho su definición, La Monitor, por ejemplo, indica que la balada es un poema que se divide en estrofas iguales, generalmente como un estribillo. En sus temáticas se describen sucesos legendarios, que tengan que ver con la cultura de una región o con el amor. Tuvo su origen en el norte de Europa en donde adquirió sus características peculiares. Existen dos tipos de baladas poéticas: la antigua es de origen claramente popular y se desarrolló durante toda la época medieval, principalmente en Italia, Francia e Inglaterra. La moderna o romántica tiene su origen en el redescubrimiento de la balada que llevó a cabo el investigador inglés Percy en 1765. La balada romántica se convirtió en una composición lírico-narrativa de versos breves y estrofas uniformes, de modulación rápida y viva. En la literatura española e hispanoamericana, el género de la balada conoció un brillante florecimiento con autores de gran categoría como Juan Ramón Jiménez (1898-1958), que escribió “Balada de Primavera”; Federico García Lorca (1898-1936), que escribió “Baladilla de los tres ríos”, y Gabriela Mistral (1889-1957), poetisa chilena autora de “Ternura y Desolación”. Como segundo significado la balada, en música, es una composición poética amorosa, cantada y acompañada de danza. Los antiguos inspiradores de baladas, tanto en el campo poético como en el musical, explotaron el amor con gran habilidad. Los nuevos creadores siguieron el ejemplo de los clásicos del romanticismo. Sin embargo, la balada que nació en los años sesenta y que conquistó a múltiples seguidores, no proviene de esa antigua balada que conquistó el gusto europeo y ruso. Sólo tienen en común el tema que tratan, eludiendo lo épico o folclórico, para centrarse en el amor, además de utilizar el mismo nombre. La balada es uno de los géneros más difundidos en casi todos los países y su importancia es cada vez mayor, a pesar del paso de los años. Su temática no ha sido siempre la misma. Es un género que se ha renovado con los cambios que se han producido en la sociedad, con los nuevos valores y la forma como han cambiado los papeles del hombre y la mujer, con el ocaso del machismo y la idea de igualdad que agita la mente de la mujer en todos los espacios de la vida pública y privada. Aunque los cambios que ha sufrido la balada son varios, la podemos situar entre dos extremos distantes: del romanticismo más convencional, ha pasado a plantear un erotismo sin medidas. De la idealización de la relación en pareja, ha dado un cambio hacia su opuesto, al plano del deseo y del disfrute del cuerpo, a la búsqueda del placer. El tema de la balada en sus primeros momentos es obsesivamente el amor. Es un amor ocasional o una relación transitoria y fugaz. Es un gran amor, el amor que llena toda la vida y que aparece como la causa última, como la razón de ser o el principio de que a todo le da sentido. En las canciones, el amor se concreta pero con ello no pierde su condición abstracta. Cada canción nos relata una situación individual que por su condición de experiencia típica puede ser compartida o aplicable a múltiples situaciones ya que permite la adecuación a la experiencia personal. No es una vivencia única de quien la canta, ni tiene una intensidad que no se acerca a lo que el común de las personas experimentan; es un drama interior que tiene la propiedad de ser de la medida de todo el público. Los asuntos de los que parten las canciones son generales; por ejemplo, los reproches y la inconstancia femenina, los malentendidos, la discusión entre enamorados y la reconciliación, la falsedad o la frialdad del hombre o de la mujer, las súplicas y los desvelos, los temores y las ansiedades. Es frecuente también el empleo de símbolos y contrastes elementales; el otoño es triste, la primavera es alegre, el día es vida…La naturaleza es el entorno más inmediato que el sujeto contempla, al que dirige sus miradas y luego de mirar al ser amado en su trascendencia. El sujeto exaltado por el sentimiento que lo acompaña agudiza su sensibilidad y percibe formas, colores, sabores y hasta olores más allá de lo que normalmente sentiría una persona. La naturaleza permite a quien canta, establecer analogías: “qué sería del árbol que nace si no hubiera lluvia, no hubiera sol”. “Más dicha que dolor hay en el mundo….” “Mi tristeza es mía y nada más….” Formalmente la rima, la medida de los versos y el ritmo de la canción obedecen a esquemas repetidos y aprobados por el uso. En su interior, son frecuentes las repeticiones y estribillos formados por frases comunes que cobran fuerza expresiva por el contexto sentimental en el que se insertan: “Que nos importa”, “Toco madera”, “Entre la espada y la pared”, “Cualquier lugar está lejos”… (Nota: Apartes de este tema fueron tomados de la publicación: “Nueva Pantalla”) Medellín, marzo 5 de 2012
7:00pmSábado
[...]
Learn more8:00pmSábado
El Bolero es un género musical con origen en Cuba y desarrollado en varios países hispanoamericanos como México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela, siendo popular en todos los países hispanoamericanos. Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero. En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840.Aunque existe diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este género musical, que más tarde se extendió por Latino América Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886, aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos “clásico” (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XIX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra. Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano. Otro hecho que contribuirá al ascenso del bolero es la inesperada muerte del rey del tango, Carlos Gardel, en 1935, que dejó al afán por el tango tras la muerte de su mejor voz, y ese vacío provocó un mayor auge del bolero, sobre todo en el cono sur del continente americano. También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 revoluciones por minuto, luego los de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados Long Plays o LP´s. Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes. Otro factor que contribuyo al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al Bolero cultivarse y desarrollarse con calma sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto, influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política, por ello la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Asimismo la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia. La balada pop vino volando en caballo a ocupar el puesto de lo “romántico”, que antes tenía indiscutiblemente el bolero, lo mismo pasaría con la música bailable, la era de las guarachas y el cha-cha-chá fue sustituida por el rock and roll, la salsa brava y el merengue. No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de sus exponentes originales, como Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días. Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazar de baladas sus composiciones. También interpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop. La llamada “resurrección” realizada por Luis Miguel, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Charlie Zaa, Edith Márquez o Mijares, si bien tiene meritos propios, fue también la consecuencia de un ambiente previo plagado de romanticismo, que era indiscutiblemente heredero de las glorias doradas del bolero. Dicha resurrección no escapa a una estrategia de mercado que busca aprovechar convenientemente un éxito asegurado al resucitar temas consolidados en el gusto popular.
Learn more9:00pmSábado
El músico Eduardo Morales (1969-) define la salsa como “un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación” y “una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York”. El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que “la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila”. La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín)
Learn more10:00pmSábado
[...]
Learn more11:00pmSábado
Sus orígenes se remontan a finales del siglo XIX y principios del XX y los ritmos que se conocían y bailaban eran mazurkas, chotisses, valses, pasillos y polkas. En Medellín los sitios mas populares para bailar estaban ubicados en el antiguo barrio Guanteros, del cual se desconoce hoy en día su existencia. Allí acudían gentes de todos los pueblos y municipios de Antioquia, principalmente en diciembre, pues allá eran famosos los llamados “Carnavales Decembrinos”. Los cafés y clubes de aquel Medellín de Antaño, también tenían que ceder a la burguesía y los domingos entre las 10:00 y las 12:00 a.m., acudían las jóvenes recatadas con sus chaperonas, ansiosas de poder bailar los ritmos de moda. Posteriormente en los años 20 se volvieron famosos los bailes en el “Club Unión” y “Campestre” y a nivel popular en el Parque de la Independencia. Los viajes al exterior, muy comunes en los jóvenes burgueses de aquel entonces, permitieron traer la música internacional y por primera vez se conocieron en Colombia ritmos como el Charleston, el Ragtime y el Foxtrot. En los años 40, la radio antioqueña alcanza su época de Oro y los programas de mayor sintonía eran los de música en vivo y las mas cotizadas, las grandes orquestas de baile. A principios de esta década aparece uno de los géneros musicales mas importantes y que hoy en día tiene el mas alto índice de ventas y programación radial: el vallenato, cuyo primeros artistas fueron: Guillermo Buitrago, Rafael Escalona, Ángel Fontanilla, Julio Bovea, Los Trovadores de Barú, Los Piratas de Bocachica y el Quinteto Alma Guajira. Sin embargo, este género casi desaparece debido a la muerte de Buitrago en Abril de 1949. En 1959 vuelve a resurgir de las cenizas, esta vez en forma de banda pueblerina con instrumentos de viento, acordeón, timbales, congas y batería aparte de la voz que incluyó trabalenguas y letras picantes. La orquesta que dio nueva vida al género, fue conocida como “Los Corraleros de Majagual”, de donde salieron las voces maravillosas de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lizandro Mesa. Durante los años 50, Medellín se convierte en el centro de la producción discográfica y aparecen compañías como Discos Fuentes, Sonolux, Codiscos y Victoria. A partir de ahí empezaron a conocerse las mas importantes orquestas tropicales: Lucho Bermudez, Edmundo Arias, Pacho Galán, Clímaco Sarmiento, Rufo Garrido, Pedro Laza y la Sonora Cordobesa. La década de los 60 representó la época de mayor creación musical y se caracterizó por sus nuevas sonoridades provenientes de la electrónica y el modernismo, originando la desaparición de las primeras orquestas. Las orquestas que dominaban este período fueron Los Teen Agers, Los Falcons, Los Golden Boys, Los Hispanos, Los Black Stars, Antolín y su Combo, Los Ases del Ritmo, Los Bobby Soxers y Los Trotamundos. Por esta misma década se conocieron sonidos e instrumentos extraños como el “Solovox”, una especie de órgano que sintetizaba los sonidos de los instrumentos de viento y el piano. Estas agrupaciones se caracterizaron por ser de pocos músicos y tener un sonido rico basado en los vientos. Los años 70 fueron una época mas compleja y de mayor exigencia, pues fueron apareciendo nuevos sonidos cada vez mas complejos y agrupaciones de todo tipo. Las orquestas mas importantes de esta década fueron: Los Claves, Los Éxitos, Los Graduados, El Combo de las Estrellas, La Revelación, Los Hermanos Martelo, Los Caporales del Magdalena, El Combo Nutibara y La Nueva Generación. El vallenato no se quedó atrás y aparecen nuevas agrupaciones verdaderamente maravillosas como El Binomio de Oro, cuya magia única provenía de su vocalista Rafael Orozco y el sonido de su acordeonista Israel Romero. Otras bandas vallenatas importantes fueron las de Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Diomedes Díaz, Los Caporales del Magdalena, Enrique Díaz, Andrés “El Turco” Gil, Andrés Landero, Alberto Pacheco y Abel Antonio Villa. En la música parrandera, los clásicos importantes eran Gildardo Montoya y Octavio Mesa, quienes daban la nota picante y grosera. En la década de los 80, este género comenzó a decaer fuertemente y las orquestas mas importantes comenzaron a desaparecer y algunas de las antiguas que aún existían, redujeron la cantidad de músicos, pues su contrato era un lujo y sus costos demasiado altos. Para no dejar morir los clásicos tradicionales, la radio colombiana hacía programas especiales durante todo diciembre, comenzando desde la primera o segunda semana de noviembre. Las disqueras descontinuaron las joyas mas valiosas y solo se dedicaron a publicar las novedades y si acaso, solo sacaban cosas viejas por encargos especiales y en grandes cantidades. Fue una década muy violenta donde la corrupción y el narcotráfico mandaban por toda Colombia. La violencia era tan fuerte que en esta época fueron asesinadas dos glorias de la música: Rafael Orozco (vocalista del Binomio de Oro desde 1975) y Jairo Paternina (vocalista del Combo de las Estrellas desde 1974). Sus muertes fueron tan trágicas que fue el golpe mas duro que recibieron la música tropical y vallenata. Los años 90 y 2000 fueron una época de modernismo total, las orquestas ya no tenían la magia y talento que tenían sus antecesoras y las de hoy son de calidad regular. Los músicos que tocaron en orquestas antagónicas, murieron por la edad, por enfermedad, por las drogas y el alcohol y unos pocos están retirados y jubilados desde años atrás perdidos en el olvido. El modernismo es tal que desde los años 90 ya no existen los formatos singles de 45 o 78, ni siquera los LP. Hoy mandan los CD, los DVD y la música por Internet. Los clásicos inolvidables de antaño, solo se escuchan por la radio durante noviembre y diciembre. ____________ * Federico Blodek es historiador musicólogo de origen austriaco, nacido en Medellín (Colombia) el 4 de Julio de 1977. Bachiller del Colegio Colombo Francés en 1997. Realizó sus estudios universitarios en la Academia Nacional de Artes y Oficios, donde se graduó como Técnico Productor de Radio con énfasis en Comunicación y Periodismo Investigativo. Ha realizado estudios de Música, Musicología, Idiomas, Cultura general, Historia, Comercio internacional, Sistemas, Fotografía, Ingeniería de Sonido y Producción de TV. En la parte laboral tiene una experiencia de 21 años y ha trabajado como Guía Turístico, Profesor asistente, Representante de ventas, Asesor al cliente, Director asistente en un campamento de verano, Mensajero y Consejero de padres y maestros. Entre 1986 y 1997 fue campeón interclase e intercolegiado de escritura y ortografía. Actualmente es historiador musicólogo en Codiscos S.A desde el año 2004. Cuatro de los CDs que ha producido para Codiscos fueron declarados Patrimonio Musical por varias emisoras.
Learn more
